История музеев: от пинакотеки до галереи
Прошлое – довольно хрупкая категория. История без сохранения медленно рассыпается, оставляя после себя зыбкий песок. Человечество всегда нуждалось в напоминании о своем существовании – так стали появляться коллекции предметов древности: орудий, статуэток, ремесленных изделий, украшений, картин. Но сегодня многое изменилось. Нынче мы смело заглядываем в будущее, создавая настоящее по иным законам
Первые музеи, или же места поклонения музам, как их именовали древние греки, появились в период Античности и носили скорее ритуальный характер. Александрийский мусейон имел характер учебного заведения, в котором обустраивались жилые комнаты для учеников и исследователей. Первыми прототипами галерей в период Античности были пинакотеки – они имели вид небольших помещений, где хранились картины. С наступлением Ренессанса появились первые картинные галереи, доступные для обозрения, – галерея Медичи в Палаццо Питти во Флоренции, пинакотека при Ватикане. А вот музеи в известном нам формате появились относительно недавно.
Первые публичные музеи
Если долгое время музеи были закрыты для широкой публики (это касалось и частных, и государственных коллекций), то в середине XVIII в. появляются публичные художественные галереи. Первыми среди них были Британский музей в Лондоне и Лувр в Париже. Они были доступны в первую очередь людям среднего и высшего сословия.
Перед визитом в Британский музей посетители должны были письменно зарегистрироваться, дабы избежать большого скопления людей в залах. В день были разрешены посещения небольших групп. Под влиянием Британского музея во времена Французской революции Лувр становится также публичным. В последующие столетия публичных пространств становилось все больше. Обратной стороной подобной популяризации стало то, что вскоре музеи оказались переполнены людьми и экспонатами. Предметов искусства становилось так много, что приходилось выбирать между произведениями – какие можно выставлять, а какие стоит спрятать. Именно эта необходимость выбирать послужила толчком к тому, что в XX в. появилась профессия арт-куратора.
Роль арт-куратора в развитии выставочного пространства
Кураторство как независимая практика – относительно молодая профессия. Среди людей, повлиявших на ее развитие, особого внимания заслуживает Харальд Зееман. Своеобразным феноменом стала его выставка «Когда отношения становятся формой», которая проходила в Берне (Германия) в 1969 г. Он выводит фигуру организатора выставки на первый план. Сам Зееман становится творцом наравне с художниками, ведь именно он отвечает за то, какой будет выставка.
Выставка «Когда отношения становятся формой» стала революционной. Участие в ней приняли более 60 художников – представителей разных направлений от концептуализма до хеппенинга. Многие создавали свои работы прямо в галерее, имея полную свободу творчества. Акцент был сделан на процессуальности действия и стирании границы между жизнью и искусством. Кунстхалле в Берне – здание для проведения художественных выставок – было превращено в сцену, где каждый становился частью великого процесса созидания. Эту выставку можно отчасти описать немецким термином Gesamtkunstwerk («объединенное произведение искусства»). Данная концепция основана на идее соединения разных видов искусства для создания единого произведения. У Зеемана таким произведением становится выставка.
Он настаивал на своем соавторстве и праве вносить изменения в работы, за что неоднократно подвергался критике со стороны художников. Особенно сильно она разгорелась во время выставки «Документ V», которая проходила в 1972 г. в Касселе (Германия). «Документы V» не только начала популяризацию современного искусства, но также вызвала интерес и к будущим биеннале.
Пространство обрело динамику – стены, потолок, люди вокруг стали частью работы, что отодвигало от парадигмы слепого следования за прошлым. Наконец начали проявляться внутренние изменения галереи, тем самым уничтожая застывшую идею «музея как храма».
Читай также: Музей пластика: как в Индонезии решают экологические проблемы
«Белый куб» и «Черная коробка»
В середине прошлого века появляется выставочная концепция «Белый куб» (White Cube), что также было обусловлено развитием современного абстрактного искусства. Художники Баухауса и объединения «Де Стейл» предпочитали выставлять свои работы на белой стене, дабы фон не отвлекал от самих произведений. Они считали белые стены рамкой для своих полотен. Вдохновленные интерьерами и выставочной практикой Баухауса в Америке и особенно в Германии, они начали экспериментировать со светлыми оттенками. Во время Второй мировой войны немецкие галереи были выкрашены в белый цвет, что отображало нацистскую идеологию чистоты.
Но только после выставки в 1936 г. в Музее современного искусства в Нью-Йорке практика «Белый куб» была сформирована в полной мере. Нейтрально-белые стены, контролируемое освещение и минимум украшений помогли изолировать и выделить произведение искусства, выставить его вне политического и социального контекста. К слову, эта концепция до сих пор находит свое отражение в центре выставочных практик. Ее придерживаются большинство современных галерей, создавая ощущение вакуума, где искусство царит само по себе.
Но критика подобного подхода в те времена не заставила себя ждать. В 1960 гг. с быстрым развитием медиаискусств художники искали новые методы работы с пространством. Их не устраивала стерильность белых стен, отчужденность галерей, «голое» искусство. Они жаждали экспериментов. Так возник феномен «Черная коробка» (Black Box). Уже по названию можно представить, что художники имели в виду: квадратная комната, выкрашенная в черное, в которой автор волен менять окружение как ему заблагорассудится. Художники искали заброшенные помещения, склады и начали использовать их в качестве своих студий. Эти пространства становились идеальными условиями для специфических инсталляций. Использовалось регулируемое освещение, температурный режим и подвижные стены, которые предоставляли полную свободу реализации. Большую известность концепция приобрела именно у художников, работающих с видеоартом, новыми технологиями, перформансом. Это было ощутим контрастом к практике «Белый куб» – статичной, преподносящей искусство на вытянутой ладони.
В XXI в. в первую очередь меняется функция музея. Сейчас речь идет в основном об отражении современной жизни, а не оглядке на прошлое. Музей уже не является простым выставочным пространством – он становится местом для дебатов, культурным центром, где искусство меняется, обсуждается и соединяет. Куратор – необходимый мостик между публикой и искусством. В современных галереях не идет речь о единой хронологии в подаче материала. Исторические коллекции реконструируются в новых контекстах. Противостояние «Белого куба» и «Черной коробки» все еще актуально, периодически приобретает новые визуальные и смысловые очертания. Но мы уже не следим за прошлым издалека, а можем творить настоящее, отражая современную жизнь и заглядывая в будущее.
Текст: магистр искусств, арт-куратор Алиса Морозова
Вам будет интересно почитать на Ивоне: